Nervuras da Arte em Guido Viaro
por Maria José Justino

"Talhado a canivete em madeira, como um ídolo asteca, brutal, não é um anjo saudoso de um éden, mas o anjo expulso do céu e, no entanto, orgulhoso de sua sorte e força (…) duro e baixo como uma casa de pedra". Foi desse modo que Dalton Trevisan definiu o artista. Voluntariamente excluído da província de Rovigo (Badia, Polesine), Viaro, filho de pequenos agricultores, conservou-se a vida toda esse homem da terra. Carnal, rude e generoso. Nessa generosidade, o ateu Sartre podia conviver sem atritos com São Francisco de Assis, as metrópoles com sua pequena aldeia em Badia ou com a pequena Curitiba dos anos trinta. Ele próprio, um ateu convicto, acreditava no homem, na terra e na arte.

Nascido na Itália (1897), Viaro fez do Brasil a sua escolha. Na Itália dos anos vinte, viu a tradição da pintura, desde a estrutura renascentista aos “macchiaiol”; em breve passagem por Paris, encontrou os modernos. Chega ao Brasil, em São Paulo, ávido pelo exercício da arte. É acolhido pela solidariedade dos imigrantes italianos, estabelecendo uma breve convivência com artistas, que mais tarde iriam compor o Grupo Santa Helena, em especial Clóvis Graciano e Alfredo Volpi. Trabalhar com ilustrações e humor nas revistas e jornais italianos (Il Pasquino e Il Moscone), decoração de cafés e residências, pintar murais etc., além da convivência com pessoas cultas (jornalistas, artistas, ecumênicos, profissionais liberais), não deixava de ser um exercício técnico importante para a formação artística. Mais tarde (1929), fixa-se em Curitiba, no Paraná. Aqui, no meio da forte influência andersiana e da tendência paranista, a pintura de Viaro vai se construindo como um contraponto. Fora dessa celeuma, inaugura uma pintura essencialmente moderna.

Fez da arte a sua humanização, o seu diálogo autêntico com a vida. Além de ensinar (Fernando Velloso, Violeta Franco, L.C. Andrade Lima, Brzezinski, Calderari, Zimmermann, Estela Sandrini, alguns de seus discípulos), sua obra se abre prodigamente para uma experiência singular da beleza e da verdade, fazendo-nos experimentar algo de vital – emoção e prazer pela arte e respeito pelo ser humano. Privilegiou na pintura a luz – tanto no que trazia da experiência européia e paulista como dos seus estudos sobre Monet e Hopper (pintores escolhidos para ilustrar suas aulas) –, mas também o traço próximo à tradição de gravadores e a estrutura construtiva de Morandi, do pós-impressionismo de Cézanne e do retorno à ordem (Novecento). O desejo de fazer uma arte sólida por meio de uma construção livre foi a escolha de Viaro.

No final dos anos cinqüenta, Viaro não escapa ao apelo do abstracionismo. Chega a experimentar essa linguagem com obras de estruturas geométricas, uma pesquisa voltada mais à matéria. Ele próprio deixa escapar que se tratava de uma experiência: “Estou à procura de uma forma de sensibilidade pictórica e harmonia musical dentro do abstracionismo, o que considero ideal, se atingido algum dia. (...) Devido à minha idade, não sei se conseguirei libertar-me das influências figurativas e se algum dia chegarei ao abstrato puro. “ A sua pintura não se contenta em abstrair nem tampouco em reduzir-se ao gestual; ela quer mais do que o exterior do movimento, ela quer as cifras secretas do ser. Sua relação com o mundo passa pelo profano, pelo matérico, pela carne. Ele precisa dessa materialidade para se expressar. Mas essa necessidade não abandona a estruturação da obra. Como no caso de Hopper, Viaro soube aproveitar a lição abstrata incorporando-a na representação realista. Suas paisagens e mesmo muitos dos trabalhos com a temática religiosa posteriores a essa experiência, ganham em liberdade.

A sua relação com a arte é sempre empática, é um adepto da subjetividade. A objetividade não o seduz, mesmo porque faz parte daquele grupo para quem a exatidão não significa a verdade. O seu trajeto é uma luta constante para escapar ao realismo objetivo e duro, inclinando-se para a liberdade conquistada pela construção moderna, independentemente das vanguardas históricas. A poética de Viaro não está necessariamente interessada na face bela das coisas, mas na sua intimidade, distancia-se do naturalismo e do impressionismo, buscando uma arte mais sólida. Viaro é o encontro de muitas águas: construtivo e intuitivo. Em sua obra não há oposições entre expressionismo e formalismo; a construção não exclui a expressão. Todavia, há momentos na obra de Viaro quase impressionistas e outros que o aproximam da poética pós-impressionista, mais construtivos. Boa parte de sua extensa obra oscila entre a estruturação construtiva e a pincelada expressionista, sem necessariamente haver oposição, pois, “afinal de contas, a continuidade histórica depende das facetas que se escolha acentuar, e nada seria mais equivocado que estabelecer uma dicotomia na história da arte moderna entre as correntes formalista e expressionista” (Rosenberg).

Todos esses caminhos são frutos da experiência autodidata, “sem mestre e sem escola”, brotada dos desafios de quem, de seu canto curitibano, fazia a travessia da aventura da arte no mundo. Pacientemente, Viaro foi construindo a sua poética, autêntica, o que não a impede de dialogar com a história da arte.

O último Viaro inclinou-se para uma pintura de síntese, deixando os brancos significarem. Esses brancos já começam a ganhar atenção em aquarelas da década de quarenta, em pinturas como “Santa Ceia” (1954) e nos últimos trabalhos, como “Paisagem” (1971). Para Viaro, como para o pintor da Province, “os brancos não são vazios, mas espaços nos quais vibra a cor excessivamente saturada do toque vizinho, uma zona de transição e de passagem” (Cézanne). É um recurso utilizado por Viaro para fazer a tela respirar, torná-la viva. O silêncio fala, cria sentidos.

Reserva para a gravura o seu lado existencial, expressando não uma rebeldia social, mas uma solidariedade com os mais simples. Mesmo nas gravuras, o lado mediterrâneo sobrepuja a dramaticidade, o claro escuro da existência humana. Entre as nervuras da madeira (xilogravura) e as sendas indomáveis do metal, circula vida. Se os medievais exaltavam, por meio da xilogravura, os santos mártires, Viaro, com as suas, celebra o homem simples no seu cotidiano, o trabalhador nas suas lides. “A gravura vem de dentro”, disse certa vez Viaro a Sérgio Milliet. Profundo conhecedor dos mistérios do traço, Viaro reinventou, por necessidade, a zincogravura, que nada mais é do que o aproveitamento das placas de zinco (reaproveitamento das placas que lhe advinham como ilustrador de revistas, jornais etc.), desenvolvendo uma água-forte impressa não em côncavo, mas em relevo, como o processo mesmo da xilogravura.

A modernidade de Viaro foi, então, um caminho natural de quem vinha para o mundo da arte sem uma escolaridade tradicional. A sua pintura festeja a cor; as gravuras reafirmam o peso da vida. Da pintura à monotipia, da gravura às aquarelas, em menor escala na escultura, a preocupação técnica o acompanhava. Há momentos extraordinários do Viaro pintor, em especial nos retratos. Entre eles, chamo a atenção para “O Medo”, “O Homem sem Rumo” e “A Polaca”, uma das melhores obras de Viaro. É uma pintura que capta a alma da jovem, o seu interior, suas vibrações, sua luminosidade, seu perfume. As cores quentes dominam. O fundo pode revelar certa espiritualidade nas nuanças dos azuis, também no azul do olhar da jovem, mas a sensualidade se sobrepõe na escolha do vermelho como dominante no vestido e no carmesim dos lábios. O etéreo ganha carnalidade. Até o louro dos cabelos ondulados recebe reflexos do vermelho. Revela um pintor apaixonado: pela modelo, pela pintura, pela luz, pela cor. É uma mulher real que possibilita ao artista alcançar valores universais. É uma mulher loira particular, polaca, italiana ou alemã, enfim, uma mulher feita de luz, etérea; ao mesmo tempo, a pintura suplanta o referencial a uma mulher específica, galga uma transcendência, uma autonomia, são todas as mulheres em uma só, todo o feminino sintetizado. Há uma interação entre o mundo fenomenológico e o transcendental, do mesmo modo em que a tensão entre construção e emocional é resolvida. É uma pintura quase de manchas, que o aproximaria tanto dos impressionistas como dos *macchiaioli*, mas nela a expressão se afirma de maneira forte, as pinceladas nervosas captam o essencial. É uma pintura que estrutura as massas, onde o contorno não é um coadjuvante, mas nervura da obra. Incrível como a leveza dessa pintura no ar expressa a espiritualidade da jovem. É como se Viaro tivesse pintado essa obra de um só impulso, e trouxesse o infinito de um só golpe. Nada falta e nada sobra. A displicência das linhas desenhando a gola e as mangas do vestido é exata. Não houve escolha premeditada, os gestos aconteceram na medida. Primado da sensibilidade, da intuição e do instinto, brotados de uma região mais bruta, por isso mesmo tão sensível. Nessa obra, Viaro é soberbo!

E poderíamos falar de tantas outras obras de Viaro com igual entusiasmo.

O que importa é que Viaro toma a arte como um exercício estético e ético que leva ao conhecimento do mundo cósmico, a uma experiência estética do homem no encontro com a obra total de arte. Pintando as prostitutas, os operários, os pescadores, os humildes, a maternidade, os temas religiosos, a vida prosaica, enfim, o homem e a mulher em todas as suas pegadas terrenas, Viaro torna-se um criador genuíno, com uma poética própria tecida no tempo da matéria. Merece, sem nenhum favor, ocupar um lugar na arte brasileira ao lado de Volpi, Rebolo, Pancetti, Di Cavalcanti, Guignard e Iberê Camargo. Curitiba precisa deixar de ser provinciana e apresentar os seus artistas ao mundo, até porque eles cantam a nossa aldeia em linguagem universal